Handarbeit - back to the roots

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Handarbeit - back to the roots

July 2018
Exhibition and workshop
Studio Doro Seror | Munich


Die Wiederentdeckung der mit den Händen angefertigten künstlerischen Kreationen.
Als akademisch ausgebildete Malerin habe ich Jahre lang vor und während meinem Studium Bilder hergestellt. Nach Beendigung des Studiums und einigen Jahren leidvoller Erfahrung als Kunstlehrerin am Gymnasium wählte ich das Genre der Performancekunst als mein Mittel des Ausdrucks, weil ich unmittelbar mit meiner Kunst Einfluss auf die Zuschauer nehmen wollte. Auch im öffentlichen Raum konnte ich, weil ich stets meinen individuellen Interesse übergeordnete Aussagen und Inhalte bearbeitete, meine Wirksamkeit vor unvorbereitetem Publikum testen.
Dennoch ist man als Performancekünstlerin darauf angewiesen, (bezahlten) Einladungen im Kunstkontext zu folgen, damit man irgendwie ein Auskommen hat. Angesichts der vielen Kisten, die jeweils Relikte der jeweiligen Performances beinhalten, beschloss ich, diese zu Kunst zu transformieren, mit der jeder etwas anfangen kann. Als erstes stellte ich aus den Hemden meines Vaters so genannte „rugs“ (Matten) nach der ältesten Knüpftechnik der Welt her. Inzwischen sind verschiedenste Techniken dazu gekommen. Jedes Objekt hat ein eigenes Konzept. Entweder probiere ich eine neue Technik aus, oder ich stelle ein Objekt für jemanden her, der mir seine T Shirts zu diesem Zwecke eigens gibt. Ebenso experimentiere ich mit dreidimensionalen Formen, oder mit Farbverläufen. Hierzu benutze ich auch Altkleider, die von der Bevölkerung in der ebenfalls von mir mit betreuten so genannten „Brauchbar“ (einem Kostenlos Laden) abgegeben wurden. Meinen eigenen Kleiderschrank reduziere ich zu diesem Zwecke auf ein absolutes Minimum. Während meinen Aufenthalten in Israel benutze ich die im Kibbuz ausrangierten Kleidungsstücke oder eigens zu dem Zweck mir anvertraute Klamotten.Teilweise nehme ich das Material (zerschnittene Kleidung) im Koffer mit nach Deutschland, um so Objekte herzustellen, die die Verbindung beider Länder dokumentiert.
In der Ausstellung werden die Objekte, die durchaus auch als Sitzgelegenheiten oder zum Spielen benutzt werden können, dennoch wie Bilder an die Wand genagelt oder wie Skulpturen drapiert.
Während der Ausstellung zeige ich den Gästen, die zu dem Zweck eigne Kleidungsstücke mitgebracht haben, die unterschiedlichen Methoden der „rug“ Herstellung. Wichtig ist mir dabei die Einfachheit und Mobilität der Herstellung. Jede Art von Mechanisierung wird dabei vermieden. Beim gemeinsamen Schaffen diskutieren wir über die Grenze zwischen Handarbeit und Kunstwerk.
Macht die Autorenschaft des jeweiligen Herstellers oder das Ergebnis das Werk zu einem Kunstobjekt? Oder ist es die Benennung eines solchen durch den Künstler und/oder durch den Betrachter? Oder muss das Objekt erst in der offiziellen Kunstwelt als ein solches Reputation erfahren? Oder muss der Künstler so renommiert sein, damit alles, was von seinen Händen hergestellt ist, Kunst genannt werden kann und damit wertvoll wird?
 
 
The rediscovery of artistic creations made by hand.
As an academically educated painter, I made pictures for years before and during my studies. After completing my studies and some years of painstaking experience as an art teacher at high school, I chose the genre of performance art as my means of expression, because I wanted to directly influence the audience with my art. Also in the public space, because I always worked on higher-level statements and content than my individual interest I was also able to test my effectiveness in front of an unprepared audience.
Nevertheless, as a performance artist, you are dependent on (paid!) invitations in the context of art, so that somehow you make a living. In the face of the many boxes containing relics of the respective performances, I decided to transform the content into art that everyone can relate to. First, I made so-called "rugs" from my father's shirts according to the oldest knotting technique in the world. Meanwhile, a variety of techniques have come on top of it. Each object has its own concept. Either I try a new technique, or I make an object for someone who gives me his t-shirts specifically for this purpose. I also experiment with three-dimensional shapes, or with color gradients. For this I also use old clothes, which were submitted by the population in the so-called "Brauchbar" (a free shop) which I also supervise. I reduce my own wardrobe to an absolute minimum for this purpose. During my stays in Israel, I use the clothes discarded in the Kibbutz or clothes specially entrusted to me for the purpose. Sometimes I take the material (cut clothes) in the suitcase to Germany, so as to produce objects that documents the connection between the two countries.
In the exhibition, the objects, which can also be used as seating or for playing, are nailed to the wall like pictures or draped like sculptures.
During the exhibition, I show the guests, who have brought their own clothes, the different methods of "rug" weaving. The simplicity and mobility of the production is important to me. Any kind of mechanization is avoided. In joint work, we discuss the border between handicraft and artwork.
Does the authorship of the respective manufacturer or the result make the work an art piece? Or is it the naming of such by the artist and / or by the viewer? Or does the object have to have reputation as such only in the official art world? Or does the artist have to be so renowned that everything made by his hands can be called art and thus become valuable?